用自己的笔墨语言与绘画形式,六位艺术家潜心

日期:2019-11-24编辑作者:艺术家介绍

 2015.12月,-高泉强现代水墨画展,如期在金华市美术馆展出。

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登高远眺,气势恢弘。山峰连绵,众壑纵横。金秋十月,随秋风蹁跹舞动,“南山赋—杨怀武作品展”、“花间词—曹卫红作品展”将于10月15日上午同时在华中美术馆隆重举办。本次展览为杨怀武先生的水墨山水携爱人曹卫红女士的油画人物互相融合的双个展,是国画与油画的相互交织,是水墨与色彩的完美融合。

高泉强(别名泉溪),又称泉溪庐主,1955年生于杭州。毕业于浙江美术学院(现中国美术学院)。曾任教于中国美术学院环境艺术系从事专业绘画的教学。

展览现场2015年08月15日下午3点,力利记艺术 心向--六位艺术家的水墨自省展览开幕,呈现黄丹松、贾平西、姬子、刘坚、雷明娜、曲磊磊六位艺术家作品。力利记艺术延续去年秋兴八首的展览主题:重新发现和认识部分被市场忽略的水墨艺术家的价值以及他们在美术史中价值的存在,与此同时发现和支持年轻水墨艺术家的创作,在此基础上展开讨论,此次展览将更多的注重艺术家自身,着眼于六位艺术家的内心。心向展出的六位水墨艺术家以不同的形式感知人生,或是细腻的新工笔花鸟作品,或是大气磅礴,笔墨皴擦,突破传统的手法的山水作品,或是中西结合,注重光影的水墨人体,更抑或是平实质朴寥寥几笔却跃然于纸。中国有着一部辉煌的绘画史,从《女史箴图》到《富春山居图》,进而也形成了这样的一个进程:从6世纪开始提出个人灵性与绘画技巧并重到13世纪赵孟頫对于文人画的正式提出,区别于所看,而更注重内心的所想、所画,在绘画中寻找人生价值,一直以来也是中国艺术家研习绘画一个目的所在。姬子先生自创墨道山水,行到水穷处,坐看云起时,这句诗用来形容作品及心境恰如其分,作品中山峦交错,云卷云舒,画中这些山、云更像是意象中的山水景色,是艺术家在心中建立起来的一番超脱现实的山水空间,没有既定,是生活中现世的形象如镜像一般,如相中之色,发生了改变。作品突破了传统水墨作品的格局和手法,饱含了他对生命万物宇宙或是超越现实的思考及感悟。同时此次展览也是缅怀姬子先生,纪念并推动他的艺术,他因艺术而一辈子,又向它而去。星星画会的创始人之一曲磊磊生于50年代初,并在1985年远赴英国,在英国他潜心专研自己的绘画,寻找探索东方绘画的现代语言,至此形成了自己独特的绘画形式,作品追求在融合东西方形式语言中,表现当代人复杂的情感。在其水墨作品中注重光和影的变化,人物造型精准,笔墨勾勒出的肌体之美跃然于中国宣纸之上。充分表现了作品的力度和深度,同时在这样一个探索历程中,艺术家更深层的关注人、生命、历史以及未来,人性的美与人的尊严。评论家苏利文曾如此评价他显示了中国的笔墨艺术在传统上称为线的艺术,能够通过高超的技法所表现出的光和影的极其微妙的层次变化,从而创造出那个实感,是他本人崇尚的艺术的灵魂的实感。陈传席曾如此评价:贾平西是中国花鸟画史中应有一定的地位,他是一座山峰,但不是群峰中的一座,而是立在远处的一座独秀峰,艺术家笔下的花鸟家畜,虽只有寥寥数笔,但天真无邪已夺人耳目,无论描绘的对象是什么,总会透出天真活脱的格调,画花鸟家畜一类水墨作品的人多如繁星,但贾平西却与他们不同,他重建了花鸟画的审美价值,并打破了自魏晋以来就流传下来的花鸟画传统画法。忠于自己内心的绘画,所谓不俗,就在于此吧。同样生于70年代的黄丹松和雷明娜,都选择工笔来诠释内心,工笔画在中国绘画史上源远流长,他们一个以浓墨重彩加上细腻工笔描绘岭南一带绽放的花朵,一个以汝窑茶具的色感作为基调创作了一系列斑马作品。在他们的作品中,兼顾了传统和当代,东方和西方,新内容和新形式等多方面的一个融汇与转变。黄丹松以中国传统花卉为主题,构图造型准确,经过千锤百炼,色彩变化万千,笔触与线条也一丝不苟。而这种及其质朴的手法,也最能体现艺术家纯正简单的审美情趣。毕业于中央美术学院的雷明娜创作了汝窑系列工笔画作品,问茶画面背景花纹均以茶水画成,这也是源于雷明娜本人对茶的喜爱与感悟。作品如人生,六位艺术家潜心在自己的艺术道路中寻找探索,君子博学而日参省乎己,观其作品,走进六位艺术家的内心。据悉,本次展览将持续至2015年9月15日。

南山赋—杨怀武作品展

体味高泉强先生的水墨画作品,它源于生活,富有真情实感。高泉强先生,用自己的笔墨语言与绘画形式,表现出内心的感受。让观众游历于他的画境之中,这种境界的表达,是在长期笔墨锤炼与认真研究传统之后,重新感悟了它的内涵,展现出当代文化背景下的新水墨精神,实属难能可贵的。

编辑:王胤

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高泉强先生是一位创新型的艺术家,他在淡泊、悟修中一步步地达到较高的思想境界。这一切在高泉强先生的新水墨作品中,充分地流露着。他用独特的笔墨语境,表现出他对生命的体悟和他对内心目标的坚守。他说“对于艺术的追求,我在路上……”

杨怀武,字大略;1970年生于河北徐水;1990年毕业于中国美术学院附中;1994年毕业于中国美术学院中国画系人物专业,获学士学位;2013年毕业于中国美术学院中国画系山水专业,获硕士学位,师从张捷教授;2014年就读于中国美术学院中国画系博士研究生,师从王赞教授;现任教于中国美术学院、副教授;中国美术家协会会员。出版《中国当代青年画家——杨怀武》、《意象自然·中国当代艺术家丛书——杨怀武》、《水墨心像·杨怀武》画集。2009年《路伴春风来》第十一届全国美展河北省选送作品展览,荣获铜奖。《蜀道融雪》入选“纪念5·12汶川大地震一周年全国美术作品展”荣获优秀奖(成都)、《雪后狮子坪》入选“首届河北省青年美术作品展览”荣获银奖。2004年《脉》入选第十届全国美展;荣获河北省美术作品展银奖。(杭州)2003年《路入峡石沟》入选第二届全国中国画展,荣获铜奖。(大连)2002年阅读生活·河北画家写生作品展,荣获银奖。1993年《佛在西天》入选1993年浙江省中国画展,荣获二等奖。


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《南山2016-1》 杨怀武作品

杨怀武先生的写意山水画一直试图在表达方式上有所突破,为了达到这一目的,他尝试了多种技法的组合,也运用了大量的笔墨书写样式,从而在无意中形成了其画作的独特风貌——传统水墨方式的延伸。围绕着这一追求,杨怀武先生从理性和感性两个层次加以实验,在这两个层次的结合上也显得颇具匠心。在理性上,他认真总结了中国传统水墨各个发展时期的经典技法,并把这种总结移植在传统话语背景的土壤中,由此获得深层次的理性感悟和心理内化,从而悟出一种全新的视觉感性经验,他进而把这种新鲜的视觉经验融入到无意识的创作中,这就形成了有别于传统水墨而又深深植根于此的全新的画面效果。

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《南山2016-2》 杨怀武作品

杨怀武的作品突破了传统山水中被视为主线的“出世”之想,以及“人文孤独”情绪,把一种当代人的审美观照通过全新的语式表达出来,从而取得令人耳目一新的艺术效果。他的创作在理念上极大地淡化其作品的附加作用而极力强化其“绘画性”。杨怀武先生把更多的关注投射到画面的“唯美性”营造上,只要自己的艺术行为符合了绘画的学理要求,宁肯丢弃那些本不应属于绘画所应承担的额外“作用”,因此,他的作品庄重之余,又多了层简单轻松,多了层舍弃后的纯粹唯美的绘画性效果。

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《南山2017-1》 杨怀武作品

杨怀武先生独特的画面效果,缘于他在技法上的大胆创新,他借用了人物画和花鸟画的表现技巧用以充实自己的手段,而于山水画常用的“皴”法,他同样加以大力改造,化“擦刷”为“书写”,既提高了画面的笔墨意趣,又极大强化了作品“文人化”性质。更为重要的是这种表述方式重心的转移,意味着新的视觉语言的生成,与此相表里,更意味着视觉语言所承载的新的视觉思维模式的确立。换言之,杨怀武作品的“意”之新取决于他技法的创新,而新技法的确立取决于新的言语模式的生成,这种言语模式实际是其新视觉思维模式的外化。至此,从杨怀武先生的山水画中,我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。

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《南山照壁》 杨怀武作品

金秋十月,让我们跟随其绘画的诚恳与平实,迎着秋风慢慢的欣赏画作,感受不一样的山水魅力。

水墨悠然赋南山

王赞(中国美术学院副院长、教授)

山远远地落在天边,令人无限地遐想与向往。中国人的艺术境界里山是一种象征、诗意、时空、有无的精神对象,也是一种可居、可游、可望的存在物。山的远近赋予了人內心的观看互为你我的哲学存在。物我的相互审视是中国古代文人刻意追寻的精神主体,即主客观观看世界的角度和立场,相互审视即表明我中有你,你中有我的浑然无际。在这样的物我相忘的时空里悠然的心境恰好撩开了一丝缝隙,可以窥探心灵往来的印记。陶渊明“采菊东篱下,悠然见南山。”一句悠然的一瞥将山的远近都被赋予了诗的意境,成为中国文化的千古名句。

中国自宋代以来,水墨材质自纸张的发明而演变为文人充分发挥诗书画印抒发情绪的载体,水墨画中逸笔草草无为而无不为的畅神品格得以完全的释放,中国士大夫文人画的精神体系得以建立,中国老庄哲学中玄学的有无关系在道的运转下思辨性的存在。水墨与南山在完全不同的物质层面都被赋予了超出该词语之外的精神内涵,水墨既是绘画材质的存在,也是文人情感的承载寄托;南山既是方位的坐标,又是文人精神家园的皈依。

二十世纪以来中国现代山水画的发展,在经历西方文化的冲击之后呈现多元的外在形态和价值取向,在看似热闹繁荣的背后隐藏着极为深层的危机。秉承传统一路的山水画在消解了中国传统文人画的道统思想之后,并未形成新时代山水画精神的视觉载体。近年来,山水画的探索于“笔墨等于零”、“中国画的穷途末路”等观点的激辩之下,逐渐趋于多种路径的探索。

绘画的本体在卸去了文人概念的附加物之后留下的是自身语言的视觉价值。题材、构图、技术、材料等基本要素的综合于画面整体的呈现是现代山水画突破传统山水画的一个必要途径。生于河北太行山的杨怀武,近二十年南山赋式的水墨山水画,即以全方位的默默潜行于绘画的破与立矛盾之中。壁立千仞式的构图,破除了传统“三远”之法,追寻平面高耸的气象,单纯简洁,泓约深美的诗性意识,涳濛而精致的品格在明了的刻画中清晰的表达。这种山的语言经过对太行山山形结构的高度提炼而形成的个性表达。空谷寂静,来自山体与心灵体悟的感受陶然般地领受这一份动意,绝境生出活路,寂灭转为生机,在看似简约的背后隐藏着空境的出路。

山形在有了诗意一般的物我相忘的境界之后,如果没有与之相对应的笔墨技法的跟进是万万不能的。中国传统山水画在建构道统体系的语言中将各种皴法融入书法意味的表现之中,皴法即有了活态的生命意义。杨怀武在确立了山形的启承传合之后使用了创新的我称之为“钉头鼠尾皴”的技法,传统山水画有“钉头皴”一法,而杨怀武这一技法更兼有钉头和鼠尾合一的皴法表现。这种中锋行笔,钉头为笔法的力压泰山之力道,鼠尾为圆润而精劲之气息,每一笔的头尾相衔接之时,留有旋转之势,循环往复。“钉头鼠尾皴”的笔法在暗合了太行山石机理的同时,笔与笔之间的疏密节奏犹如高低山石的写照。在布满长短虚实的层次递进中实相化为虚相,虚相转为空灵,有限与无限的空间飘渺般地凝固于诚实的笔法描述中。

我们讲画如其人,多数指绘画的个性与为人个性的比较,在印证了这种比较之时,杨怀武的个性特征恰如其绘画的诚恳与平实。画画来不得半点取巧,也不能无技可为,技术的磨砺需要持之以恒的信心,更来自于由内心得到释放的喜悦。有技术,有纠结、有释放、归于平淡。山形的拔地而起,简单而刚烈,悲怆中暗含苍凉;笔法的平淡笃实,层层繁复而绵柔,欣喜中包融温馨。

太行山千古特立,观山而卧游,目睹空山而返照。水墨悠然的南山赋几多艰难,几多沉浮,更有几多内心的激荡。我们读懂了杨怀武式的山水寄语,挺好!

2017年9月20日于杭州醒石山房

花间词—曹卫红作品展

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